中评社北京5月19日电／据光明日报报导，在当代中国画坛，相较于工笔画的复兴与繁盛，写意画的数量及质量都相形见绌。在全国美展获奖的中国画作品中，工笔是主角，间或有小写意作品，而精彩的大写意画作更是难得一见，上乘之作几成绝响。在最近的美院毕业季中，就有专家发出疑问：“写意去哪了？”中国画最重要的民族审美品格就是写意精神，而在中国画现代化转型过程中，这种艺术传统的流失令人担忧。《美术评论》版为此策划了专题“中国画写意精神何以式微？”，邀请专家学者共同探讨如何理解、传承与发展写意精神。本期由中央美术学院花鸟画系主任谢青教授从自己的创作与教学实践出发，谈写意花鸟画的困境与突破。
花鸟画的画法有工笔、写意、兼工带写三种，其中工笔画精细工整、崇尚写实，而写意画则用简练概括的手法绘写对象。
早在新石器时代，花鸟形象就已经以纹样的形式出现在了陶器上，例如庙底沟遗址出土的花纹彩陶罐等。春秋战国时期，人们开始将绘画中的写实手法和对绘画作品的装饰意识进行有机融合。花鸟画自唐代独立分科后，在宋代得到了极大的发展，宋代绘画中诗情与画意的结合，在中国美术史上具有典范意味，也是后世写意画重意趣、重格调、重学养的开端。正因如此，宋代邓椿才会在他的画史名著《画继》一书中说：“画者，文之极也。”宋末元初的赵孟俯是元代文人画的一面旗帜，他一方面继承了唐宋“不求形似”的见解，一方面明确提出了书画同源的理论。到了明清时期，书法用笔技巧在绘画上的表现越来越丰富多样。写意画最终以外在的诗书画印为表征，寄托内在的精神，明确了其外在的图像模式，并走向了成熟。自明代以来的四百多年间，涌现出了如徐渭、八大山人、石涛、黄慎、任颐、吴昌硕、齐白石、张大千、黄宾虹、潘天寿、傅抱石等众多自成一格的写意画大家，创作了大量水墨写意画珍品，在中国美术史上留下了璀璨的一页。
“写意”这一特性将写意花鸟画与工笔区别开来，即它不仅描绘现实对象，而且包含了超越表现对象自身的精神、情感与意境，创作者以自己与所描绘对象之间的情感关系为基础，辅以切身感受和物象所代表的精神内核来进行创作。而“写意”又不仅作为一种风格存在，还在悠久的艺术史中成为中国画的重要特征。
什么是写意精神？杜甫讲“意匠惨淡经营中”，匠心独运，可回味无穷。立意既是文人的追求，也是画家的追求。苏东坡在题画诗《书鄢陵王主簿所画折枝二首》中，道出了他对形、意的态度，“论画以形似，见与儿童邻”，“诗画本一律，天工与清新”，他以自己的诗书修养、文人心理介入绘画，把画家从再现与复刻中点醒，把文心融入作品之中。苏轼的绘画理论推动北宋以后的绘画走向注重画外意境的表现途径，使宋代蓬勃发展的花鸟不仅仅是追求客观的自然之美，而是“借物以言志”，“写意”成为文人画家审美意境的最高追求。
由此可见，中国比西方更早地在艺术行为中纳入了对抽象思维的表达。反观现代，写意画经过千年的积淀，其强大的精神力量使我们沉迷于对古人图像的模仿，却忽视了写意画的精神主旨。模式的固化，使得继承变成了机械复刻。躺在前人的功绩上，固守雷池，中国画的发展何去何从？当下，我们有必要反复研读写意画的起源与变化，清醒地认识中国画的美学传统，保证中国画意象基因的传承。
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